Pangdemonium的关闭引发了关于新加坡戏剧界生存状况的疑问

[新加坡] 戏剧公司Pangdemonium决定在2026年底前退出舞台，此举在社交媒体上引发了同行、观众和前合作者的热烈致敬。许多人表示，无论是作为艺术家还是戏剧爱好者，Pangdemonium都塑造了他们与戏剧的关系。

在其告别声明中，联合创始人Adrian Pang和Tracie Pang指出，不断上涨的制作成本、资金挑战以及不断变化的文化格局，是当今戏剧从业者面临的多重压力。

尽管Pang夫妇坚称他们的决定“纯属个人原因”而非财务问题，但其声明也承认，在后疫情时代，随着线上娱乐的普及和观众习惯的改变，维持戏剧实践已变得日益艰难。

在接受《商业时报》采访时，Adrian Pang坦率地谈到了经济问题：“从2010年至今，上演一部音乐剧或话剧的成本翻了一番。最大的涨幅出现在疫情之后——原材料、布景搭建、技术人员、演员、创意人员和员工的人力成本（由于生活成本上升），以及在竞争日益激烈的市场中的营销费用。”

他补充说，企业支持也已减少。

“虽然个人授权人一直很坚定，但我们看到企业支持有所下降。有两家企业——DBS和AlfaTech——一直支持我们。但自疫情以来，我们没有获得新的企业支持。总的来说，企业捐赠的重点似乎发生了转变，不再将艺术纳入其中。”

疫情的影响不仅限于财务。“在那些黑暗的岁月里，我们失去了许多自由职业者，因为仅靠艺术谋生根本不可行，”他指出。“要修复这种损害需要数年时间。”

维持运营的成本

对戏剧界的许多人来说，这个消息起初令人惊讶，随之而来的是一个更令人不安的问题：下一个离开的会是谁？

Pangdemonium被广泛认为是新加坡在商业和评论上最成功的剧团之一，多年来上演了多部最受欢迎的大制作。

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尽管在全球范围内，艺术从来都不是一个轻松的谋生之道——许多公司都在利润微薄的情况下运营——但像Pangdemonium这样地位的剧团的离去，加剧了人们对该行业究竟有多大韧性（如果还有的话）的焦虑。

“像Pangdemonium这样成熟的公司都会发生这种事，这显然让我有些害怕，”30岁的作家兼导演Krish Natarajan说，他以其《Crack The Case》沉浸式戏剧系列而闻名。“如果连他们都看不到继续下去的前景，那么年轻的公司还有什么机会呢？”

其他人则担心问题比资金更深层，他们指出艺术界缺乏接班人规划。

“如果新加坡其他主要艺术公司的创始人也退居二线，这是否意味着他们的公司也必须倒闭？”一位不愿透露姓名的从业者问道。

“政府对他们项目多年的投资会怎么样？数十年来建立的机构记忆、观众群和艺术生态系统又会怎么样？”

资深戏剧工作者、前官委议员Kok Heng Leun认为，这一事件暴露了超越任何单一公司的系统性脆弱。他将新加坡的戏剧生态系统描述为“脆弱的”，其中实现长期可持续性的条件已变得越来越难以保障。

“现在的戏剧界更加多样化，有各种不同规模的作品，”他说。“但大中型制作面临的通胀压力可不是闹着玩的……你常常不知道当前的作品能否产生足够的收入来规划下一部——更不用说考虑长期可持续性了。”

Kok目前正在上演《6 Microlectures On Genocide》，这是一部由Rizman Putra主演的独角戏，旨在回应加沙的杀戮事件。

尽管评论甚佳，但该剧在戏剧盒（The Drama Box）的店屋场地演出，每场只能容纳20名观众。每场演出结束后，Kok都会直接向观众上诉，为制作募集捐款以维持演出。

在马来戏剧公司Teater Ekamatra，挣扎同样尖锐。

艺术总监Shaza Ishak指出，近年来，在围绕种族、身份和代表性的更广泛讨论的推动下，人们对少数族裔声音的兴趣日益增长。该公司近期的几部作品——包括以新加坡首任总统Yusof Ishak为中心的《Yusof》——在主要场馆的门票都销售一空，这表明观众是存在的。

然而，生存是一场艰苦的斗争。直到最近，该公司还在她的公寓里运营了五年。“我们长期处于生存模式，甚至没有意识到我们为了维持运营所做出的个人牺牲，”她说。

与许多公司一样，Ekamatra也不得不缩减其产出。“应对通胀压力的直接反应就是减少制作，”Shaza指出。“但对于一个致力于为少数族裔艺术家提供平台的公司来说，这感觉就像失败——因为我们无法像我们希望的那样支持那么多的艺术家。”

反思规模与形式

在由旧国会大厦艺术之家主办、国家艺术理事会 (艺理会) 委约的“新加坡国际艺术节”(Sifa) 上，艺术节总监Chong Tze Chien敏锐地意识到了这些压力。

该艺术节持续支持行业的方式之一是委约本地团体创作新作品。

与此同时，Chong承认观众的行为已经发生了难以逆转的转变。“科技缩短了我们的注意力持续时间，”他指出。“现在，要让人们在一个封闭空间里坐着观看超过10分钟的东西，已经是一项巨大的投入。”

作为回应，“新加坡国际艺术节”已经重新调整了其节目安排——委约在非传统场地上演的“更短”的作品，包括更“适合在Instagram上分享”的装置艺术作品，Chong说。其目的不是迎合，而是去贴近观众，并降低参与的门槛。

对于更传统的观众，艺术节继续安排雄心勃勃的长篇作品——例如一部以时装公司为背景、时长近三小时的戏剧，以及对经典戏剧《Hedda Gabler》和《Hamlet》的大胆重新演绎。

Chong坦言国家存在结构性限制。“新加坡是一个非常小的市场，”他说。“作为一个艺术节，我们一直在寻找方法，尽可能通过国际合作来延长新加坡作品的生命周期。”

艺术从业者普遍对国家艺术理事会 (艺理会) 的资助心存感激。他们承认，公共资金对于让该行业保持基本的稳定至关重要——尽管自2020年疫情爆发以来，情况变得更加艰难。

但Kok认为，这种支持的性质变得更加繁重。“现在有更多的审计和更多的条件；感觉更像是投资资金，期望获得回报。”

他补充说，展示“影响力”的压力尤其令人头疼。“影响力意味着改变，但你如何通过单一作品来衡量潜在的改变，尤其是当这种改变可能是内在的、情感上的，甚至是没有被有意识地认识到的时候？”

尽管如此，几代戏剧工作者都表示，他们讲故事的冲动并未消失——只是改变了形式。

对Natarajan而言，这份信念在于亲近性和独特性。“如果我讲述的是植根于此地的故事——关于我们的生活、我们的焦虑、我们的幽默——我相信它们会找到观众，”他说。“它们可能看起来不像过去的戏剧。但这并不意味着戏剧正在消失。”

故事有望继续，但讲述它们的成本却前所未有地高昂。